Dibujo

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El dibujo es una forma de arte visual en la que un artista utiliza instrumentos para marcar papel u otra superficie bidimensional . Los instrumentos de dibujo incluyen lápices de grafito , bolígrafo y tinta , varios tipos de pinturas , pinceles entintados , lápices de colores , crayones , carboncillo , tiza , pasteles , borradores , rotuladores , estiletes y metales (como punta de plata ). El dibujo digital es el acto de usar una computadora.dibujar. Los métodos comunes de dibujo digital incluyen un lápiz o un dedo en un dispositivo de pantalla táctil , un lápiz o un panel táctil o, en algunos casos, un mouse . Hay muchos programas y dispositivos de arte digital .

Un instrumento de dibujo libera una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. El soporte más común para el dibujo es el papel , aunque se han utilizado otros materiales como cartón , madera , plástico, cuero , lona y cartón . Los dibujos temporales se pueden hacer en una pizarra o pizarra . El dibujo ha sido un medio de expresión pública popular y fundamental a lo largo de la historia de la humanidad. Es uno de los medios más simples y eficientes de comunicar ideas. [1] La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace que el dibujo sea una de las actividades artísticas más habituales.

Además de sus formas más artísticas, el dibujo se utiliza con frecuencia en ilustración comercial , animación , arquitectura , ingeniería y dibujo técnico . Un dibujo rápido, a mano alzada, que generalmente no se considera un trabajo terminado, a veces se denomina boceto . Un artista que practica o trabajos en dibujo técnico puede ser llamado un redactor , dibujante, o dibujante. [2]

Resumen [ editar ]

Galileo Galilei , Fases de la luna , 1616.

El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana dentro de las artes visuales. Por lo general, se ocupa del marcado de líneas y áreas de tono en papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. [3] Los dibujos tradicionales eran monocromos , o al menos tenían poco color, [4] mientras que los dibujos modernos a lápiz de colores pueden acercarse o cruzar un límite entre el dibujo y la pintura. En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. Los medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza, se pueden utilizar en pastel.pinturas. El dibujo se puede hacer con un medio líquido, aplicado con pinceles o bolígrafos. Los soportes similares también pueden servir para ambos: la pintura generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzos o paneles preparados, pero a veces se dibuja un dibujo inferior primero en ese mismo soporte.

El dibujo es a menudo exploratorio, con un énfasis considerable en la observación, la resolución de problemas y la composición. El dibujo también se usa con regularidad en la preparación de una pintura, ofuscando aún más su distinción. Los dibujos creados para estos fines se denominan estudios.

Madame Palmyre con su perro , 1897. Henri de Toulouse-Lautrec

Hay varias categorías de dibujo, que incluyen dibujo de figuras , caricaturas , garabatos y a mano alzada . También hay muchos métodos de dibujo, como el dibujo de líneas, el punteado, el sombreado , el método surrealista de la grafomanía entópica (en el que se hacen puntos en los sitios de impurezas en una hoja de papel en blanco, y luego se hacen líneas entre los puntos), y calco (dibujar en un papel translúcido, como papel de calco , alrededor del contorno de formas preexistentes que se muestran a través del papel).

Un dibujo rápido y sin refinar puede llamarse boceto .

En campos ajenos al arte, los dibujos técnicos o planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas a menudo se denominan "dibujos", incluso cuando se han transferido a otro medio mediante la impresión.

Historia [ editar ]

En comunicación [ editar ]

El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana, con evidencia de su existencia anterior a la de la comunicación escrita. [5] Se cree que el dibujo se utilizó como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, [5] [6] demostrado por la producción de pinturas rupestres y rupestres hace unos 30.000 años ( Arte del Paleolítico superior ) . [7] Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representaban objetos y conceptos abstractos. [8] Los bocetos y pinturas producidos por el Neolítico fueron eventualmente estilizados y simplificados en sistemas de símbolos ( protoescritura ) y eventualmente en sistemas de escritura tempranos ..

En manuscritos [ editar ]

Antes de la disponibilidad generalizada de papel, los monjes del siglo XII en los monasterios europeos usaban dibujos intrincados para preparar manuscritos ilustrados e iluminados en vitela y pergamino. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el campo de la ciencia, como método de descubrimiento, comprensión y explicación.

En ciencia [ editar ]

Dibujar diagramas de observaciones es una parte importante del estudio científico.

En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de Venus y también las manchas solares a través de sus dibujos telescópicos de observación. [9] En 1924, el geofísico Alfred Wegener utilizó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes. [9]

Como expresión artística [ editar ]

El dibujo se utiliza para expresar la propia creatividad y, por lo tanto, se ha destacado en el mundo del arte. A lo largo de gran parte de la historia, el dibujo se consideró la base de la práctica artística. [10] Inicialmente, los artistas utilizaron y reutilizaron tablillas de madera para la producción de sus dibujos. [11] Tras la amplia disponibilidad de papel en el siglo XIV, aumentó el uso del dibujo en las artes. En este punto, el dibujo se usaba comúnmente como una herramienta para el pensamiento y la investigación, actuando como un medio de estudio mientras los artistas se preparaban para sus trabajos finales. [12] [13] El Renacimiento trajo consigo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, permitiendo a los artistas representar las cosas de manera más realista que antes.[14] y revelando un interés por la geometría y la filosofía. [15]

La invención de la primera forma de fotografía ampliamente disponible condujo a un cambio en la jerarquía de las artes. [16] La fotografía ofrecía una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y se le dio menos énfasis a la práctica del dibujo tradicional como una habilidad esencial para los artistas, particularmente en la sociedad occidental. [9]

Artistas y dibujantes notables [ editar ]

El dibujo cobró importancia como forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Alberto Durero y Martin Schongauer (c. 1448-1491), el primer grabador del Norte conocido por su nombre. Schongauer vino de Alsacia y nació en una familia de orfebres. Alberto Durero, un maestro de la siguiente generación, también era hijo de un orfebre. [17] [18]

Los dibujos de maestros antiguos a menudo reflejan la historia del país en el que se produjeron y las características fundamentales de una nación en ese momento. En la Holanda del siglo XVII, un país protestante, casi no había obras de arte religiosas y, sin rey ni corte, la mayor parte del arte se compraba de forma privada. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo no se veían como bocetos, sino como obras de arte muy acabadas. Los dibujos italianos, sin embargo, muestran la influencia del catolicismo y la Iglesia, que jugó un papel importante en el mecenazgo artístico. Lo mismo ocurre a menudo con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés [19] significaban que los dibujos eran menos barrocos que los italianos, más libres, que transmitían un mayor sentido de movimiento. [20]

En el siglo XX, el Modernismo fomentó la "originalidad imaginativa" [21] y el enfoque del dibujo de algunos artistas se volvió menos literal, más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ayudaron a desafiar el status quo, con el dibujo en el centro de su práctica y, a menudo, reinterpretando la técnica tradicional. [22]

Los dibujos de Basquiat se produjeron en muchos medios diferentes, más comúnmente tinta, lápiz, rotulador o marcador y barra de aceite, y dibujó en cualquier superficie que tuviera a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol. [23]

Los siglos han producido un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje de dibujo distintivo, que incluye:

  • 14, 15 y 16: Leonardo da Vinci [24]Alberto DureroHans Holbein el JovenMiguel ÁngelPisanelloRafael
  • 17: ClaudeJacques de Gheyn IIGuercinoNicolas PoussinRembrandtPeter Paul RubensPieter Saenredam
  • 18: François BoucherJean-Honoré FragonardGiovanni Battista TiepoloAntoine Watteau
  • 19: Aubrey BeardsleyPaul CézanneJacques-Louis DavidHonoré DaumierEdgar DegasThéodore GéricaultFrancisco GoyaJean-Auguste-Dominique IngresPierre-Paul Prud'honOdilon RedonJohn RuskinGeorges SeuratHenri de Toulouse-LautrecVincent van Gogh
  • 20: Max BeckmannJean DubuffetMC EscherArshile GorkyGeorge GroszPaul KleeOscar KokoschkaKäthe KollwitzAlfred KubinAndré MassonAlphonse MuchaJules PascinPablo PicassoEgon SchieleJean-Michel BasquiatAndy Warhol • Frank Auerbach * Larry D. Alexander

Materiales [ editar ]

El medio es el medio por el cual la tinta, el pigmento o el color se suministran a la superficie de dibujo. La mayoría de los medios de dibujo son secos (por ejemplo , grafito , carboncillo , pasteles , Conté , punta plateada ) o utilizan un disolvente o portador fluido ( marcador , bolígrafo y tinta ). Los lápices de acuarela se pueden usar secos como los lápices ordinarios, luego humedecidos con un pincel húmedo para obtener varios efectos pictóricos. Muy raramente, los artistas han dibujado con tinta invisible (generalmente decodificada) . El dibujo con punta de metal generalmente emplea dos metales: plata o plomo. [25] Se utilizan con menos frecuencia el oro, el platino, el cobre, el latón, el bronce y la punta de estaño.

El papel viene en una variedad de diferentes tamaños y calidades, que van desde papel de periódico hasta papel de alta calidad y relativamente caro que se vende como hojas individuales. [26] Los papeles varían en textura, tono, acidez y fuerza cuando están húmedos. El papel liso es bueno para reproducir detalles finos, pero un papel más "dentudo" sostiene mejor el material de dibujo. Por lo tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.

El papel de periódico y el papel de mecanografiar pueden ser útiles para la práctica y los bocetos . El papel de calco se utiliza para experimentar sobre un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de cartucho es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en blocs. El cartón Bristol e incluso los cartones sin ácido más pesados, frecuentemente con acabados lisos, se utilizan para dibujar detalles finos y no se deforman cuando se aplican soportes húmedos (tinta, lavados). La vitela es extremadamente suave y adecuada para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser el preferido para dibujar con tinta debido a su textura.

El papel de calidad de archivo sin ácido mantiene su color y textura por mucho más tiempo que el papel a base de pulpa de madera , como el papel de periódico , que se vuelve amarillo y se vuelve quebradizo mucho antes.

Las herramientas básicas son un tablero o mesa de dibujo , un sacapuntas y una goma de borrar , y para dibujar con tinta, papel secante . Otras herramientas utilizadas son brújula circular , regla y escuadra . El fijador se utiliza para evitar que las marcas de lápices y crayones se manchen. La cinta de dibujo se utiliza para asegurar el papel a la superficie de dibujo y también para enmascarar un área para mantenerla libre de marcas accidentales, como materiales rociados o salpicados y lavados. Se utiliza un caballete o una mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la posición utilizada en la pintura.

Técnica [ editar ]

Raphael , estudio para lo que se convirtió en la Madonna Alba , con otros bocetos
Antoine Watteau , técnica de crayones trois

Casi todos los dibujantes utilizan sus manos y dedos para aplicar los medios, con la excepción de algunas personas discapacitadas que dibujan con la boca o los pies. [27]

Antes de trabajar en una imagen, el artista normalmente explora cómo funcionan varios medios. Pueden probar diferentes implementos de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor y la textura, y cómo aplicar el implemento para producir varios efectos.

La elección de los trazos de dibujo por parte del artista afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos a lápiz y tinta a menudo usan tramas , grupos de líneas paralelas. [28] El rayado cruzado usa el rayado en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. El rayado discontinuo, o las líneas con cortes intermitentes, forman tonos más claros, y al controlar la densidad de los cortes se logra una gradación de tono. El punteado utiliza puntos para producir tono, textura y sombra . Se pueden lograr diferentes texturas dependiendo del método utilizado para construir el tono. [29]

Los dibujos en medios secos a menudo utilizan técnicas similares, aunque los lápices y palos de dibujo pueden lograr variaciones continuas de tono. Por lo general, un dibujo se completa en función de la mano que favorece el artista. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar manchar la imagen. Los borradores pueden eliminar las líneas no deseadas, aclarar los tonos y limpiar las marcas perdidas. En un boceto o dibujo de contorno, las líneas dibujadas a menudo siguen el contorno del sujeto, creando profundidad al parecer sombras proyectadas por una luz en la posición del artista.

A veces, el artista deja intacta una sección de la imagen mientras completa el resto. La forma del área a preservar se puede pintar con líquido enmascarador o recortar de un frisket y aplicar a la superficie de dibujo, protegiendo la superficie de las marcas perdidas hasta que se retire la máscara.

Otro método para preservar una sección de la imagen es aplicar un fijador en aerosol a la superficie. Esto sujeta el material suelto con más firmeza a la hoja y evita que se manche. Sin embargo, el aerosol fijador generalmente usa productos químicos que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe emplearse en un área bien ventilada, como al aire libre.

Otra técnica es el dibujo sustractivo en el que la superficie de dibujo se cubre con grafito o carboncillo y luego se borra para hacer la imagen. [30]

Tono [ editar ]

Un retrato a lápiz de Henry Macbeth-Raeburn , con sombreado y sombreado (1909)

El sombreado es la técnica de variar los valores tonales en el papel para representar el tono del material, así como la ubicación de las sombras. La atención cuidadosa a la luz reflejada, las sombras y las altas luces puede resultar en una interpretación muy realista de la imagen.

La fusión utiliza un implemento para suavizar o extender los trazos del dibujo original. La mezcla se hace más fácilmente con un medio que no se fija inmediatamente , como grafito, tiza o carbón, aunque la tinta recién aplicada puede mancharse, mojarse o secarse, para algunos efectos. Para sombrear y mezclar, el artista puede usar un muñón de mezcla , un pañuelo de papel , un borrador amasado , la yema de un dedo o cualquier combinación de ellos. Un trozo de gamuza es útil para crear texturas suaves y para quitar material para aclarar el tono. Se puede lograr un tono continuo con grafito sobre una superficie lisa sin difuminar, pero la técnica es laboriosa, involucrando pequeños trazos circulares u ovalados con un punto algo desafilado.

Las técnicas de sombreado que también introducen textura en el dibujo incluyen el rayado y el punteado . Varios otros métodos producen textura. Además de la elección del papel, el material y la técnica de dibujo afectan la textura. Se puede hacer que la textura parezca más realista cuando se dibuja junto a una textura contrastante; una textura gruesa es más obvia cuando se coloca junto a un área suavemente mezclada. Se puede lograr un efecto similar dibujando diferentes tonos juntos. Un borde claro junto a un fondo oscuro se destaca a la vista y casi parece flotar sobre la superficie.

Forma y proporción [ editar ]

Proporciones del cuerpo humano

Medir las dimensiones de un sujeto mientras se bloquea el dibujo es un paso importante para producir una interpretación realista del sujeto. Se pueden usar herramientas como una brújula para medir los ángulos de diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego volver a verificar para asegurarse de que sean precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de diferentes partes del tema entre sí. Se puede usar un dedo colocado en un punto a lo largo del implemento de dibujo para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede utilizar como regla y como dispositivo para calcular proporciones.

Variación de proporción con la edad

Al intentar dibujar una forma complicada, como una figura humana, es útil al principio representar la forma con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma se puede representar mediante alguna combinación de cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han ensamblado en una semejanza, el dibujo se puede refinar en una forma más precisa y pulida. Las líneas de los volúmenes primitivos se eliminan y se reemplazan por la semejanza final. Dibujar la construcción subyacente es una habilidad fundamental para el arte representativo y se enseña en muchos libros y escuelas. Su aplicación correcta resuelve la mayoría de las incertidumbres sobre los detalles más pequeños y hace que la imagen final parezca consistente. [31]

Un arte más refinado del dibujo de figuras se basa en que el artista posea un profundo conocimiento de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la ubicación de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto le permite al artista hacer poses más naturales que no parecen rígidas artificialmente. El artista también está familiarizado con cómo varían las proporciones según la edad del sujeto, particularmente al dibujar un retrato.

Dibujo en perspectiva de dos puntos

Perspectiva [ editar ]

Un artista dibuja una figura desde la perspectiva del ojo de gusano

La perspectiva lineal es un método para representar objetos en una superficie plana de modo que las dimensiones se reducen con la distancia. Cada conjunto de bordes rectos y paralelos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que eventualmente convergen en un punto de fuga. Por lo general, este punto de convergencia se encuentra en algún lugar a lo largo del horizonte, ya que los edificios se construyen al nivel de la superficie plana. Cuando se alinean varias estructuras entre sí, como los edificios a lo largo de una calle, las partes superiores e inferiores horizontales de las estructuras suelen converger en un punto de fuga.

Cuando se dibujan los frentes y los lados de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos. [32] La convergencia de las líneas verticales a un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.

La profundidad también se puede representar mediante varias técnicas además del enfoque de perspectiva anterior. Los objetos de tamaño similar deberían parecer cada vez más pequeños cuanto más lejos estén del espectador. Por tanto, la rueda trasera de un carro parece un poco más pequeña que la rueda delantera. La profundidad se puede representar mediante el uso de textura . A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimida y ocupada, adquiriendo un carácter completamente diferente que si estuviera cerca. La profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en objetos más distantes y haciendo que sus colores sean menos saturados. Esto reproduce el efecto de la neblina atmosférica y hace que el ojo se enfoque principalmente en los objetos dibujados en primer plano.

Dibujo de estudio de claroscuro de William-Adolphe Bouguereau

Arte [ editar ]

La composición de la imagen es un elemento importante para producir una obra interesante de mérito artístico . El artista planea la colocación de elementos en el arte para comunicar ideas y sentimientos con el espectador. La composición puede determinar el enfoque del arte y dar como resultado un todo armonioso que es estéticamente atractivo y estimulante.

La iluminación del sujeto también es un elemento clave en la creación de una pieza artística, y la interacción de luces y sombras es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La ubicación de las fuentes de luz puede marcar una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se presenta. Múltiples fuentes de luz pueden eliminar las arrugas del rostro de una persona, por ejemplo, y darle una apariencia más juvenil. Por el contrario, una sola fuente de luz, como la luz diurna intensa, puede servir para resaltar cualquier textura o característica interesante.

Al dibujar un objeto o una figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como al exterior. El exterior se denomina espacio negativo y puede ser tan importante en la representación como la figura. Los objetos colocados en el fondo de la figura deben aparecer correctamente colocados donde se puedan ver.

Un estudio es un borrador de dibujo que se realiza en preparación para una imagen final planificada. Los estudios se pueden utilizar para determinar la apariencia de partes específicas de la imagen completa o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte por derecho propio, y se pueden invertir muchas horas de trabajo cuidadoso para completar un estudio.

Proceso [ editar ]

Una persona dibujando el Barberini Faun en Munich

Los individuos muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos. [33] Un dibujo visualmente preciso se describe como "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, renderizado con poca adición de detalle visual que no se puede ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalle visual ”. [34]

Los estudios de investigación han tenido como objetivo explicar las razones por las que algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio postuló cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: habilidades motoras requeridas para hacer marcas, la propia percepción del dibujante de su dibujo, la percepción de los objetos que se dibujan y la capacidad de tomar buenas decisiones de representación. [34] Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han tratado de concluir cuáles de estos procesos son más importantes para afectar la precisión de los dibujos.

Proceso de dibujo en el estudio académico de un torso masculino de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1801, Museo Nacional, Varsovia )
Control del motor

El control del motor es un componente físico importante en la 'Fase de producción' del proceso de dibujo. [35] Se ha sugerido que el control motor juega un papel en la habilidad de dibujar, aunque sus efectos no son significativos. [34]

Percepción

Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante del proceso de dibujo. [34] Esta sugerencia está respaldada por el descubrimiento de una relación sólida entre la percepción y la capacidad de dibujar. [36]

Esta evidencia actuó como la base del libro de cómo dibujar de Betty Edwards , Dibujando en el lado derecho del cerebro . [37] Edwards tenía como objetivo enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las habilidades perceptivas del lector.

Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro Los elementos del dibujo . [38] Dijo que "porque estoy casi convencido de que una vez que vemos lo suficientemente agudo, es muy poco difícil dibujar lo que vemos".

Memoria visual

También se ha demostrado que esto influye en la capacidad de uno para crear dibujos visualmente precisos.La memoria a corto plazo juega un papel importante en el dibujo, ya que la mirada cambia entre el objeto que está dibujando y el dibujo en sí. [39]

Toma de decisiones

Algunos estudios que comparan artistas con no artistas han encontrado que los artistas pasan más tiempo pensando estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas dedican más tiempo a actividades 'metacognitivas', como considerar diferentes planes hipotéticos sobre cómo podrían progresar con un dibujo. [40]

Ver también [ editar ]

  • Figura de la academia
  • Dibujo arquitectónico
  • Composición
  • Dibujo de contorno
  • Diagrama
  • Ilustración digital
  • Dibujo de ingeniería
  • Dibujar figuras
  • Diseño gráfico
  • Ilustración
  • Sketch (dibujo)
  • Dibujo sustractivo
  • Dibujo técnico
  • Cuadro
  • Artes visuales
  • Pintura de paisaje

Referencias [ editar ]

Notas

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Otras lecturas

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  • Ruskin, J. (1857). Los elementos del dibujo. Mineola, NY: Dover Publications Inc. ISBN 978-1-4538-4264-5 
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  • Drawing / Thinking: Confronting an Electronic Age , editado por Marc Treib, 2008, ISBN 0-415-77560-4 

Enlaces externos [ editar ]

  • Cronología del desarrollo del dibujo en niños
  • On Drawing , un ensayo sobre el oficio del dibujo, del artista Norman Nason. Archivado desde el original el 25 de abril de 2012.
  • Línea y forma (1900) de Walter Crane en Project Gutenberg
  • Leonardo da Vinci: dibujos anatómicos de la Biblioteca Real, Castillo de Windsor , catálogo de la exposición completamente en línea como PDF del Museo Metropolitano de Arte (un gran recurso de dibujo).
  • Leonardo da Vinci, maestro dibujante , catálogo de la exposición totalmente en línea como PDF del Museo Metropolitano de Arte (un gran recurso de dibujo).
  • El dibujo en la Edad Media Un resumen de cómo se utilizó el dibujo como parte del proceso artístico en la Edad Media.